Les premiers instruments de musique - les flûtes en os - sont apparus il y a environ 35 000 ans, mais l'humanité aurait pu faire de la musique bien avant eux. Au fil du temps, la compréhension de la musique est devenue de plus en plus profonde. Bien qu'il ne soit pas nécessaire d'avoir une connaissance approfondie de la théorie des gammes, du rythme, de la mélodie et de l'harmonie pour créer de la musique, certaines connaissances dans ce domaine vous aideront à créer une meilleure musique.

Mesures

Partie 1

Sons, notes et gammes

1. Comprenez la différence entre « hauteur » et « note ». Ces termes sont utilisés pour décrire les qualités des sons musicaux. Ils sont liés, mais présentent quelques différences.

   • La hauteur fait référence à la hauteur d'un son, en fonction de sa fréquence. Plus la fréquence est élevée, plus le son est aigu. La différence de fréquence entre des sons de hauteurs différentes est appelée intervalle.
   • Une note désigne un son d'une certaine fréquence. La fréquence standard pour la première note d'octave A (A) est considérée comme étant de 440 Hz, bien que certains orchestres utilisent une norme différente, telle que 443 Hz, pour obtenir un son plus brillant.
   • La plupart des gens peuvent savoir si une note est correcte lorsqu’une autre note, ou une série de notes d’une composition qu’ils connaissent, est jouée en même temps. C'est ce qu'on appelle « l'audition relative ». Un petit nombre de personnes ont développé la « hauteur absolue », qui leur permet de déterminer la hauteur d’un son sans en entendre un autre.

2. Comprenez la différence entre « timbre » et « tonalité ». Ces termes sont généralement utilisés en relation avec les instruments de musique.

   • Le timbre fait référence à la combinaison de la hauteur standard d'un son et des harmoniques qui apparaissent lorsqu'une note est jouée sur un instrument de musique. Si vous pincez la corde de mi grave d'une guitare acoustique, vous entendrez non seulement la note de mi grave, mais également des sons supplémentaires plus aigus que la hauteur standard. C’est la combinaison de ces sons, également appelés harmoniques, qui rend le son de chaque instrument unique.
   • Le ton est un terme plus abstrait. Il fait référence à l'effet qu'une combinaison de hauteurs et d'harmoniques standards a sur l'audition humaine. L'ajout d'harmoniques supérieures à un timbre produira un son plus clair et plus net, tandis que des harmoniques inférieures produiront un son plus doux.
   • Un ton est aussi le nom donné à l'intervalle entre deux sons de hauteurs différentes (un ton entier). La moitié de cet intervalle est appelée un demi-ton.

3. Apprenez les noms des notes. Les notes peuvent être nommées de plusieurs manières. En Occident, deux méthodes sont les plus courantes.

   • Noms de lettres : les notes ayant une certaine fréquence se voient attribuer des noms de lettres. Dans les pays anglophones et danois, ce sont les lettres A à G. Dans les pays germanophones, la lettre B signifie Si bémol, ou Si bémol (la touche noire du piano entre les notes A et B), et la lettre H est utilisée pour la notation de la note B, ou B (la touche blanche du piano avec la note B).
   • Solfège : Dans ce système, les notes reçoivent des noms monosyllabiques en fonction de leur séquence dans la gamme. Le système a été développé au XIe siècle par le moine Guido d'Arezzo, qui utilisait « ut, re, mi, fa, sol, la, si », tiré des premiers mots de chaque vers de l'hymne à Jean-Baptiste. Au fil du temps, « ut » a été remplacé par « do » et certains ont raccourci « g » en « so » (dans certaines régions du monde, le système de solfège est le principal système de notation des notes).

4. Comprendre les notes de la gamme. Une gamme est une séquence d'intervalles dans laquelle le son le plus aigu de la gamme a une fréquence deux fois supérieure à celle du son le plus grave. Cette plage s'appelle une octave. Voici quelques échelles courantes :

   • L'échelle chromatique comporte 12 intervalles de demi-teintes. Jouer une octave au piano, en commençant par la note C de la première octave jusqu'à la note C de la deuxième octave, c'est-à-dire en appuyant successivement sur toutes les touches blanches et noires, dénote la gamme chromatique. D’autres échelles sont plus épurées que celle-ci.
   • La gamme majeure comporte sept intervalles : le premier et le second sont des tons entiers ; le troisième est un demi-ton ; les quatrième, cinquième et sixième tons entiers ; le septième intervalle est un demi-ton. Jouer une octave au piano depuis la note C de la première octave jusqu'à la note C de la deuxième octave, en utilisant uniquement les touches blanches, est un exemple de gamme majeure.
   • La gamme mineure comporte également sept intervalles. La forme la plus courante est la gamme mineure naturelle. Le premier intervalle est un ton entier, le deuxième est un demi-ton, le troisième et le quatrième sont des tons entiers, le cinquième est un demi-ton, les sixième et septième sont des tons entiers. Jouer une octave au piano du la de l'octave mineure au la de la première octave, en utilisant uniquement les touches blanches, est un exemple de gamme mineure naturelle.
   • La gamme pentatonique comporte cinq intervalles. Le premier intervalle est un ton entier, le deuxième est de trois demi-tons, le troisième et le quatrième sont chacun d'un ton entier, le cinquième est de trois demi-tons. Dans la tonalité de C (C), les notes de la gamme pentatonique sont C (C), D (D), F (F), G (G), A (A) et C (C) à nouveau. Vous pouvez également jouer la gamme pentatonique en utilisant uniquement les touches noires du piano, entre la première et la troisième octave. La gamme pentatonique est utilisée dans la musique africaine, est-asiatique et amérindienne, ainsi que dans la musique folklorique.
   • La toute première note de la gamme s’appelle la tonique. Généralement, les chansons sont écrites de telle manière que la dernière note de la chanson soit la tonique. Une chanson écrite dans la tonalité de C se termine presque toujours par C. Il est souvent indiqué à côté de la note si la tonalité est majeure ou mineure ; si cela n'est pas indiqué, la clé est considérée comme majeure.

5. Utilisez des dièses et des bémols pour augmenter ou diminuer les notes. Les dièses et les bémols augmentent ou diminuent une note d'un demi-ton. Ils sont nécessaires pour jouer dans des tonalités autres que do majeur et la mineur et maintenir les intervalles corrects. Les dièses et les bémols sont indiqués à côté des notes sur la notation musicale et sont appelés altérations.

   • Un signe pointu (semblable au signe hashtag - #) placé à côté d'une note l'élève d'un demi-ton. Dans les tonalités de sol majeur et mi mineur (sol majeur et mi mineur), la note F est élevée d'un demi-ton et est une note de fa dièse.
   • Un signe plat (semblable à une lettre majuscule anglaise « b ») placé à côté d'une note l'abaisse d'un demi-ton. Dans les tonalités de fa majeur et ré mineur (fa majeur et ré mineur), la note B est abaissée d'un demi-ton et est une note si bémol.
   • Pour plus de commodité, les notes qui doivent être abaissées ou augmentées dans une certaine tonalité sont indiquées au début de chaque ligne de la notation musicale. Dans ce cas, les altérations ne doivent être utilisées que pour les notes extérieures à la tonalité majeure ou mineure dans laquelle la chanson est écrite. De telles marques accidentelles ne seront appliquées qu'à des notes individuelles au sein d'une mesure.
   • Un signe bekar (ressemble à un parallélogramme vertical avec des lignes montant et descendant à partir de ses deux sommets) placé à côté d'une note signifie que cette note ne doit pas être élevée ou abaissée dans cette section de la chanson. Le becar n'est jamais répertorié au début de la notation musicale avec d'autres altérations, mais il peut être utilisé pour annuler les dièses et les bémols dans une mesure.

   Partie 2

   Battements et rythme

   1. Comprenez la différence entre le rythme, le rythme et le tempo. Ces termes sont également liés.

      • Beat (beat) est un terme qui caractérise la pulsation de la musique. Un battement peut être soit une note émise, soit un segment de silence appelé pause. De plus, plusieurs notes peuvent retentir pendant un temps, et vice versa : une note ou une pause peut durer plusieurs temps.
      • Le rythme est une série de battements et de pulsations. Le rythme est déterminé par la disposition des notes et des silences dans une chanson.
      • Le tempo est la vitesse à laquelle la chanson est jouée. Plus le tempo est rapide, plus il y a de battements par minute. « The Blue Danube Waltz » a un tempo lent, tandis que « The Stars and Stripes Forever » a un tempo rapide.

   2. Un ensemble de rythmes en mesures. Un battement est un ensemble de battements. Chaque mesure comporte un nombre égal de temps. Le nombre de temps dans chaque mesure d'une chanson est indiqué au début de la portée avec une signature rythmique qui ressemble à une fraction sans ligne séparant le numérateur et le dénominateur.

      • Le chiffre du haut indique le nombre de battements par mesure. Ce nombre est généralement 2, 3 ou 4, mais peut être 6 ou plus.
      • Le chiffre du bas indique quelle note est jouée sur un temps entier. Si le chiffre du bas est 4, une noire est considérée comme un temps (ressemble à un ovale rempli avec une ligne verticale). Si le chiffre du bas est 2, une blanche est considérée comme un temps (ressemble à un ovale ouvert avec une ligne verticale). Si le chiffre du bas est 8, la croche (qui ressemble à une noire avec un drapeau) est considérée comme un temps.

   3. Trouvez le temps fort. Le rythme est déterminé par les battements (battements) d'une mesure qui sont forts (accentués) et faibles (non accentués).

      • Dans la plupart des chansons, le premier temps (temps) est le temps fort ou accentué. Les temps restants (temps) ne sont pas accentués, bien que dans une mesure à quatre temps, le troisième temps puisse également être accentué, mais son accent sera plus faible que le premier temps.
      • Parfois, la musique met l’accent sur les rythmes faibles plutôt que sur les rythmes forts. C'est ce qu'on appelle la syncope ; dans ce cas, on dit que l'accent est mis sur le rythme faible.

   Partie 3

   Mélodie, harmonie et accords

   1. Identifiez une chanson par sa mélodie. Une mélodie est une séquence de notes de différentes hauteurs, sonnant selon un certain rythme, qu'une personne perçoit comme une composition complète.

      • La mélodie est constituée de phrases réparties sur des mesures. Ces phrases peuvent être répétées tout au long de la mélodie, comme dans la chanson de Noël « Deck the Halls », dans laquelle les première et deuxième lignes ont la même séquence de notes dans les mesures.
      • La structure la plus couramment utilisée dans les chansons est qu'une mélodie accompagne le couplet et qu'une autre mélodie associée accompagne le refrain.

   2. Ajoutez de l'harmonie à la mélodie. L'harmonie est le jeu de notes en dehors de la mélodie actuelle afin de rendre le son plus brillant et plus contrasté. Comme indiqué ci-dessus, de nombreux instruments à cordes peuvent produire des sons différents lorsqu'ils sont pincés ; Les harmoniques qui sonnent avec le ton fondamental sont une forme d'harmonie. L'harmonie peut être obtenue en jouant diverses phrases et accords musicaux.

      • L'harmonie qui rehausse le son de la mélodie est appelée consonantique. Les harmoniques qui résonnent avec le ton fondamental lorsque la guitare est prise sont un exemple d'harmonie consonantique.
      • L'harmonie qui contraste avec la mélodie est appelée dissonante. Une harmonie dissonante peut être obtenue en jouant des mélodies contrastées, comme dans le cas de « Row Row Row Your Boat », lorsque différents groupes de personnes commencent à chanter la phrase ci-dessus à des moments différents.
      • De nombreuses chansons utilisent la dissonance pour exprimer des sentiments vagues et progresser vers une harmonie consonantique. Comme pour « Row Row Row Your Boat », une fois que chaque groupe a fini de chanter un couplet, la chanson devient plus calme jusqu'à ce que le dernier groupe chante « La vie n'est qu'un rêve ».

   3. Regroupez les notes en accords. Un accord se compose de trois notes ou plus qui peuvent ou non sonner simultanément.

      • Les accords les plus couramment utilisés sont les triades (trois notes), dans lesquelles chaque note suivante est éloignée de deux notes de la précédente. Dans un accord en do majeur, les notes de l'accord sont C (tonique), E (tierce majeure), G (quinte). Dans un accord de do mineur, la note de mi sera remplacée par la note de mi bémol (tierce mineure).
      • Un autre accord couramment utilisé est l'accord de septième, dans lequel une quatrième note, la septième de la tonique, est ajoutée à la triade. Dans un accord de septième en do majeur, la note B est ajoutée à la triade C-E-S, créant la séquence C-E-Sol-B. Les accords de septième sont plus dissonants que les triades.
      • Vous pouvez utiliser des accords différents pour chaque note d'une chanson ; Ainsi se crée l’harmonie dite du « coiffeur ». Cependant, le plus souvent, les accords jouent des notes à partir d'un accord donné, par exemple en jouant un accord de do majeur pour jouer la note E.
      • De nombreuses chansons sont constituées de trois accords dont les toniques sont les première, quatrième et cinquième notes de la gamme. Dans ce cas, les chiffres romains I, IV et V sont utilisés. Dans la tonalité de do majeur, ces accords seraient do majeur, fa majeur et sol majeur. Souvent, un accord de V majeur ou mineur est remplacé par un accord de septième ; ainsi, dans la tonalité de do majeur, l'accord V serait un septième accord de sol majeur.
      • Les accords I, IV et V sont interconnectés dans les tonalités. Un accord de fa majeur est un accord IV dans la tonalité de do majeur, et un accord de do majeur est à son tour un accord de V dans la tonalité de fa majeur. De plus, un accord de sol majeur est un V dans la tonalité de do majeur, et un accord de do majeur est un accord IV dans la tonalité de sol majeur. Ces relations s'appliquent également à d'autres accords et sont représentées dans un diagramme appelé cercle des quintes.

   Partie 4

   Types d'instruments de musique

   1. Instruments à percussions. Ce type d'instrument est considéré comme l'un des plus anciens. La plupart sont conçus pour créer et maintenir un rythme, bien que certains puissent jouer de la mélodie ou créer une harmonie.

      • Les instruments à percussion qui créent du son en faisant vibrer leur structure sont appelés idiphones. Cela inclut les instruments qui créent du son en frappant eux-mêmes, comme les cymbales et les castagnettes, ainsi que ceux qui créent du son en frappant d'autres objets, comme les tambours en acier, les triangles et les xylophones.
      • Les instruments à percussion dotés d'un revêtement qui vibre lorsqu'on les frappe sont appelés membranophones. Il s'agit notamment des tambours tels que les timbales, les tam-tams et les bongos, ainsi que des instruments dotés d'une corde ou d'un bâton attaché à la membrane qui vibre au contact, comme la cuica.

   2. Instruments à vent. Les instruments à vent créent du son grâce à la vibration qui se produit lorsqu’on les souffle. La plupart d’entre eux ont des trous de pitch-bending pour pouvoir jouer des mélodies et des harmonies. Les instruments à vent sont de deux types : les flûtes, qui créent du son en faisant vibrer l'ensemble de l'instrument, et les tuyaux à anches, qui contiennent un matériau vibrant à l'intérieur. À leur tour, ils sont divisés en deux sous-types.

      • Les flûtes ouvertes créent du son en divisant le flux d'air contre le bord de l'instrument. Les flûtes et cornemuses de concert appartiennent à ce type.
      • Les flûtes fermées forcent l'air à travers un canal spécial à l'intérieur de l'instrument pour le séparer et créer des vibrations. Les tuyaux d’orgue appartiennent à ce type.
      • Dans les instruments à anche unique, l'anche est logée dans l'embouchure. Lorsqu'elle est soufflée dedans, l'anche fait vibrer l'air à l'intérieur de l'instrument et crée du son. La clarinette et le saxophone sont des exemples d'instruments à anche unique. (Bien que le corps du saxophone soit en cuivre, il est considéré comme un instrument à vent car il utilise une anche pour créer le son.)
      • Les instruments à anche double utilisent deux anches étroitement reliées l'une à l'autre à une extrémité. Dans les instruments comme le hautbois et le basson, cette anche double doit être entre les lèvres du joueur, tandis que sur les cornemuses et les crumhorns, cette anche double est sous le couvercle.

   3. Cuivres. Contrairement aux instruments à vent, qui ne font que diriger le flux d'air, les cuivres vibrent en même temps que les mouvements des lèvres du musicien pour créer du son. De tels instruments sont appelés cuivres car la plupart d’entre eux sont en cuivre ; mais à côté de cela, ils sont également divisés en sous-espèces, en fonction de leur capacité à modifier le son en raison d'un changement dans la distance que l'air doit parcourir avant de sortir. Ceci peut être réalisé en utilisant l’une des deux méthodes suivantes.

      • Les trombones utilisent une bascule pour modifier la distance que l'air doit parcourir avant de sortir. Lorsque la diapositive est retirée, la distance augmente, ce qui diminue le ton, et lorsqu'elle est rétractée, la distance diminue, ce qui augmente le ton.
      • D'autres cuivres, tels que la trompette et le tuba, utilisent un ensemble de valves pour dilater ou contracter le flux d'air à l'intérieur de l'instrument. Ces valves peuvent être pressées individuellement ou ensemble pour obtenir le son souhaité.
      • Les instruments à vent et les cuivres sont souvent appelés simplement instruments à vent car ils doivent être soufflés pour créer de la musique.

   4. Instruments à cordes. Les cordes des instruments à cordes peuvent être sonnées de trois manières différentes : pincées (guitare), frappées (dulcimer ou marteaux sur un piano) ou frottées (violon ou violoncelle). Les instruments à cordes peuvent être utilisés aussi bien pour l’accompagnement rythmique que mélodique et peuvent être divisés en trois catégories :

      • Le luth est un instrument à cordes doté d’un corps résonnant, semblable au violon, à la guitare et au banjo. Les cordes ont la même longueur (sauf la corde inférieure d'un banjo à cinq cordes) et varient en épaisseur. Les cordes plus épaisses produisent un son grave, tandis que les cordes plus fines produisent un son aigu. Les cordes sont enfoncées dans des endroits spéciaux appelés frettes, ce qui raccourcit leur longueur et leur permet d'atteindre différentes hauteurs.
      • La harpe est un instrument à cordes dont les cordes sont placées dans un cadre spécial. Les cordes d'une harpe sont en position verticale et ont des longueurs différentes, et l'extrémité inférieure de chaque corde est reliée au corps de résonance (table d'harmonie) de l'instrument.
      • La cithare est un instrument à cordes dont le corps est plat et de forme irrégulière. Les cordes d'une cithare peuvent être pincées ou ramassées, et peuvent être frappées directement ou indirectement, tout comme sur un dulcimer ou un piano.
   • Les gammes naturelles majeures et mineures sont liées de telle manière qu'une gamme de tonalité mineure est deux notes plus basse qu'une gamme majeure avec les mêmes notes augmentées ou abaissées. Ainsi, les tonalités de do majeur et de la mineur, dans lesquelles il n'y a ni dièse ni bémol, ont le même jeu de notes.
   • Certains instruments, ou groupes d'instruments, sont associés à certains styles de musique. Par exemple, les quatuors à cordes, composés de deux violons, d’un alto et d’un violoncelle, jouent généralement dans un genre de musique classique appelé musique de chambre. Les groupes de jazz ont généralement une section rythmique composée de batterie, de claviers, parfois de contrebasse et de tuba, et une section de cuivres composée de trompettes, trombones, clarinettes et saxophones. Il est parfois intéressant de jouer des morceaux sur des instruments autres que ceux pour lesquels le morceau a été écrit. Un exemple en est « Weird Al » Yankovic, qui joue de célèbres chansons de polka rock à l’accordéon.

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À première vue, créer un clip vidéo peut sembler une tâche plutôt compliquée et fastidieuse. Mais d’abord, définissons-nous et découvrons ce qu’est un clip vidéo. En fait, c'est le même film, seulement très coupé, court.

Le processus de création d'un clip vidéo n'est pratiquement pas différent du processus de création d'un film ; des méthodes et techniques similaires sont utilisées. Et certains moments dépassent même la complexité de la création d'un film ; par exemple, le montage d'un clip vidéo prend beaucoup plus de temps. Juste avant de passer à la question de savoir comment réaliser un clip vidéo, comprenons un peu plus le but et les objectifs de la vidéo.

Objectif, tâches, types

Le but de la vidéo est assez simple : illustrer une chanson ou une composition musicale dans le but d'être diffusée sur des chaînes de télévision musicales ou sur Internet. En un mot, quelque chose comme de la publicité, par exemple pour un nouvel album ou un single. Le clip vidéo a bien d’autres tâches ; on peut en distinguer trois principales :

• Avant tout, la vidéo doit plaire aux fans de l’artiste ou du groupe.
• La deuxième tâche du clip est de compléter visuellement le texte et la musique. À certains moments, la séquence vidéo révèle et enrichit beaucoup plus profondément la créativité des interprètes.
• La troisième tâche de la vidéo est de révéler le meilleur côté des images des interprètes.

Tous les clips vidéo sont divisés en deux types - dans le premier, la base est une vidéo réalisée lors de concerts et dans le second, un scénario bien pensé. Passons donc directement aux étapes de création d'un clip vidéo.

Première étape : sélectionner une composition

Lors du choix d'une chanson pour une future vidéo, vous devez être guidé par certains critères. Premièrement, la durée de la composition ne doit pas dépasser cinq minutes, et idéalement sa durée doit être comprise entre trois et quatre minutes. Il est conseillé que la chanson raconte une sorte d'histoire, même si trouver une idée de composition sans paroles peut aussi être très intéressant. Vous ne pouvez pas prendre les écrits d’autrui sans autorisation – ni utiliser les vôtres, ni demander l’avis de l’auteur.

Deuxième étape : une vague d'idées

Il faut maintenant réfléchir à des idées pour illustrer la composition choisie. Il n'est pas nécessaire de transmettre les paroles de la chanson dans la vidéo ; vous pouvez expérimenter l'ambiance, la musique ou le thème. Il y aura alors beaucoup plus de place pour les idées pour la séquence vidéo. Et l'illustration de la composition ne deviendra pas une vidéo modèle banale, mais véritablement une véritable création.

Troisième étape : Storyboard

Après la sélection finale de l'idée, celle-ci doit être scénarisée, c'est-à-dire qu'une liste d'images qui seront nécessaires pour créer la vidéo doit être compilée. Certains plans qui en font partie intégrante et qui en portent l'essentiel devront être esquissés. C'est la préparation de haute qualité de cette étape qui permettra au processus d'aller plus vite et plus rapidement.

Quatrième étape : la stylistique

Vous devez décider à l'avance du style du clip : peut-être que la vidéo sera en noir et blanc, ou peut-être qu'elle contiendra une sorte d'animation. Tout cela doit être réfléchi et écrit. Un autre fait important est l'opinion de l'interprète : certains veulent apparaître dans la vidéo dans le rôle principal, tandis que d'autres ne veulent pas du tout apparaître dans la vidéo.

Cinquième étape : le tournage

Nous sommes donc arrivés aux principales étapes de la question de savoir comment réaliser un clip vidéo - c'est le tournage. En gros, dans les clips vidéo, la piste audio est l’œuvre elle-même, sur laquelle la séquence vidéo est filmée, vous n’avez donc pas à vous soucier des pistes audio. Nous prenons des croquis du storyboard préparés à l'avance et procédons directement au tournage.

Nous filmons les principaux moments de l'idée conçue, sans oublier de faire plusieurs prises pour chaque scène. Si des scènes avec un chanteur sont prévues dans un clip vidéo, alors pendant le tournage, il est nécessaire de mettre une chanson en arrière-plan afin que le mouvement des lèvres soit similaire à celui de l'enregistrement. Ensuite, selon le storyboard, ils suivent tout jusqu'au bout, sans oublier non plus de faire toutes les scènes en plusieurs prises, car plus vous avez de séquences, plus il sera facile à monter et la vidéo sera meilleure.

Sixième étape : édition

Vous devriez maintenant commencer à éditer les images. Il existe un nombre suffisant de programmes de ce type ; le choix dépendra du budget. Il existe des programmes de montage vidéo qui coûtent des milliers de dollars et d'autres qui sont entièrement gratuits. Pour les débutants dans ce processus complexe, mais merveilleux et créatif, des versions peu coûteuses de programmes similaires, par exemple Final Cut Express ou iMovie, conviennent.

Ainsi, le matériel fini est chargé dans l'éditeur vidéo, vous devez inclure la composition sur laquelle le clip vidéo a été tourné et commencer le montage.

La principale chose à retenir à cet égard est qu'un clip vidéo de bonne qualité doit être une version illustrée de la composition, par exemple un solo de guitare lent - les images vidéo doivent correspondre au tempo et au rythme de la musique. Après tout, il serait étrange et contre nature de regarder une série d’images rapides pendant une mélodie d’introduction lente. Ainsi, lors du montage des images, vous devez vous laisser guider par l'ambiance de la composition elle-même.

Septième étape : effets

Dans certains clips vidéo, les effets sont simplement nécessaires à l'intrigue de la composition, tandis que dans d'autres, vous pouvez vous en passer. Mais néanmoins, si vous décidez d'ajouter des effets, vous devez vous rappeler qu'ils doivent être comme des touches finales et non comme la base de la séquence vidéo. Vous pouvez, par exemple, rendre certaines images, ou mieux encore, floues, dans certaines, au contraire, vous pouvez ajuster la palette de couleurs, vous pouvez ajouter un ralenti. En général, vous pouvez expérimenter, l'essentiel est de ne pas oublier et de voir clairement le résultat final.

En suivant exactement toutes les étapes ci-dessus de préparation, de tournage et de montage vidéo, vous pouvez filmer du matériel merveilleux pour la composition. Dans ce domaine, l'essentiel est de ne pas en faire trop; à certains moments, un « juste milieu » est nécessaire, grâce auquel le processus lui-même et son résultat final n'apporteront qu'une humeur positive à tous les participants à cette activité à forte intensité de travail et affaire complexe.

Au fil du temps, après le tournage du deuxième ou du troisième clip vidéo, la question de savoir comment réaliser un clip vidéo ne semblera plus si compliquée et accablante, le processus n'apportera que de bonnes émotions et le résultat s'améliorera de plus en plus.

À la fin de l'article, regardez une vidéo expliquant comment créer une version simplifiée d'une vidéo à partir de photos et de musique :

Un diaporama est le meilleur moyen de présenter des images de manière originale. De belles transitions, des effets fantaisistes et une musique agréable - tout cela transformera une présentation photo ordinaire en un film photo fascinant. Si vous n'avez jamais créé de vidéo à partir d'une photo, mais que vous en avez toujours voulu, il est temps de l'essayer.

Cela vous aidera à éditer rapidement une vidéo spectaculaire à partir d'une photo. Ce tutoriel explique comment créer un diaporama de photos et de musique en quelques minutes seulement.

Étape 1. Téléchargez le programme

Pour commencer, nous vous proposons « PhotoSHOW PRO » pour créer un diaporama. Attendez la fin du téléchargement, puis extrayez l'archive téléchargée. Installez le programme sur votre ordinateur en utilisant Assistants d'installation. Ensuite, effectuez le premier lancement.

Étape 2. Ajouter une photo

Maintenant, vous devez ajouter du beau photos. La colonne de gauche contient un aperçu de tous les dossiers de l'ordinateur. Trouvez-y les photos dont vous avez besoin et faites-les glisser vers le panneau de travail. Si vous le souhaitez, les diapositives photo peuvent être réorganisées, copiées et supprimées.

Dans l'onglet « Collages », vous trouverez des dizaines de modèles de diapositives universels qui peuvent compléter n'importe quel projet. Tous les blancs sont déjà animés. Tout ce que vous avez à faire est de faire glisser la diapositive que vous aimez du catalogue vers la chronologie, d'y intégrer des photos et d'évaluer le résultat dans le lecteur d'aperçu. Votre travail brillera de nouvelles couleurs !

Étape 3 : Utiliser les intros et les titres

Voyons comment créer un diaporama à partir de photos à l'aide d'économiseurs d'écran et de titres. Dans les sections correspondantes du programme, vous verrez une collection de modèles prêts à l'emploi. Utilisez-les ou créez votre propre design basé sur eux. Choisissez le modèle que vous aimez et modifiez-le à votre goût.

Étape 4 : Personnaliser la musique et les transitions

Si vous souhaitez créer un diaporama de photos, ajoutez-y une musique adaptée. Ouvrir l'onglet "Musique" et choisissez une belle mélodie dans la collection ou téléchargez n'importe quelle piste depuis votre ordinateur.

Connectez vos photos avec des transitions intéressantes. Dans l'onglet du même nom, vous trouverez un catalogue intégré contenant des transitions standard, dégradées, doubles et 3D. Sélectionnez un préréglage et faites-le glisser dans une cellule entre les diapositives.

Étape 5 : appliquer des effets

Vous savez déjà comment créer un diaporama à partir de photos et de musique. Les effets lumineux situés dans l'onglet du même nom contribueront à compléter la présentation. Utilisez votre souris pour faire glisser les effets qui vous intéressent sur vos diapositives d'images. Si vous le souhaitez, vous pouvez modifier les paramètres de l'animation, ajouter des cliparts ou du texte en cliquant sur "Modifier la diapositive."

Étape 6 : Enregistrez votre diaporama

Comment rendre un diaporama visible sur votre téléphone ou votre lecteur ? "PhotoSHOW PRO" vous permettra de télécharger facilement la vidéo créée à partir de photos sur n'importe quel appareil, ainsi que de la convertir dans l'un ou l'autre format, de la graver sur DVD et de la télécharger sur Internet. Il vous suffit d'ouvrir la section enregistrez le projet et sélectionnez l’une des méthodes d’exportation présentées. Ajustez vos paramètres vidéo et commencez la conversion. Attendez que le travail soit terminé et lisez le film obtenu.

Créer des diaporamas musicaux à partir de photos est non seulement facile, mais aussi amusant ! Développez vos capacités créatives avec PhotoSHOW PRO.